“Zdjęcie z krzyża” – dzieło Van der Weydena, w którym zamknięta jest rozpacz i smutek
Jeden z największych obrazów religijnych szkoły flamandzkiej, "Zdjęcie z krzyża" Rogera van der Weydena, przedstawia Ukrzyżowanego zdejmowanego z krzyża. Jest to najwcześniejszy obraz, który można śmiało przypisać Van der Weydenowi (analiza dendrochronologiczna [drzewa] datuje go na około 1435 r.) i jest też największym dziełem tego malarza. Arcydzieło flamandzkiej sztuki chrześcijańskiej, mogło być zaprojektowane jako centralny panel dla ołtarza, którego skrzydła nie zachowały się do dziś, zainstalowanego w kaplicy Wielkiej Gildii Kuszników w Louvain (sponsora można zidentyfikować po dwóch małych kuszach w dolnej części spandrele maswerku na zdjęciu). Duży obraz, o wymiarach około 7 stóp x 8,5 stopy, miał duży wpływ na szkołę kolońską w Niemczech i pozostaje jednym z najbardziej wpływowych dzieł wczesnego renesansu niderlandzkiego (ok. 1430-1580), wraz z ołtarzem Merode ok. 1425) i Tryptykiem Seilern ("Złożenie do grobu") (1410) Roberta Campina, Ołtarz z Gandawy (1432) Jana van Eycka i Ołtarz Portinari (1483) Hugo van der Goes (1440-82).
Weyden namalował "Zdjęcie z krzyża" wkrótce po zakończeniu praktyki u wielkiego Roberta Campina (mistrza Flemalle) i można odnieść wrażenie, że mistrz wiedział, że zamierza stworzyć wyjątkowe dzieło. Do wykonania drewnianej deski wybrał najlepszy dąb bałtycki, a powierzchnię pokrył złotem oraz najlepszym lapis-lazuli (ultramaryną), jednym z najdroższych ze wszystkich kolorowych pigmentów. Następnie zademonstrował swój geniusz malarski, budując zapierającą dech w piersiach kompozycję narracyjną, naznaczoną emocjonalnym wpływem płaczących żałobników opłakujących zmarłego Jezusa. Połączenie designu, techniki malarskiej i ogólnego wpływu uczyniło go jednym z najczęściej kopiowanych obrazów panelowych z Ukrzyżowaniem w szkole malarstwa flamandzkiego, aż do baroku.
Rzeczywiście, w ciągu nie więcej niż ośmiu lat od umieszczenia na głównym ołtarzu kaplicy Matki Bożej Bez Murów w Louvain, tryptyk został skopiowany przez anonimowego artystę w Ołtarzu Edelheer (1443, Sint-Pieterskerk, Louvain). W latach czterdziestych XVI wieku został nabyty przez Marię Węgierską, siostrę cesarza Karola V, do jej pałacu w Binche, na południe od Brukseli, a około 1556 roku został podarowany jej bratankowi Filipowi II (1527-1598; panował od 1556). Następnie został umieszczony w ogromnym pałacu klasztornym w El Escorial. Dziś jest jedną z największych atrakcji Muzeum Prado w Madrycie. Mimo odrestaurowania w 1992 r. stosunkowo dobry stan zachowania dzieła świadczy o znakomitym kunszcie technicznym jego twórcy, a także szacunku uznaniu okazywanym mu od momentu malowania.
"Zdjęcie z krzyża" ukazuje moment zdejmowania z krzyża ciała Chrystusa, by pochować je w grobowcu. Dziewięciu uczestników sceny, prawie wszyscy płaczący z żalu, ułożonych jest w rodzaj fryzu smutku wokół szczupłego, bladego ciała. Józef z Arymatei, w czerwieni, wraz z Nikodemem faryzeuszem czule podtrzymują ciało. Tymczasem Maryja Dziewica padła w śmiertelnie białym omdleniu obok swojego syna, wspierana przez apostoła św. Jana i młodą kobietę, prawdopodobnie Marię Salome. Bezwładna, ale elegancka krzywizna ciała Jezusa jest odzwierciedlona w kształcie jego matki, a ich dłonie zwisają blisko siebie, w żywym pokazie jego pasji (cierpienia) i jej współczucia (przyjmowania na siebie jego cierpienia).
Dramat tej sceny byłby całkowicie zgodny z wysoce naładowaną duchowością Holandią XV wieku. Być może opierał się na traktacie "Meditationes de Vita Christi" autorstwa Ludolpha z Saksonii, co wyjaśniałoby rozbieżności między treścią obrazu a relacją w Ewangelii św. Jana, w którym nie ma wzmianki o Maryi Dziewicy.
Przedstawiono trzy inne postacie: młodzieńca na drabinie, który jedną ręką podtrzymuje ramię Chrystusa, a drugą gwoździe, które przytwierdzały go do krzyża; brodaty, łysiejący mężczyzna, który trzyma słoik maści; a na drugim końcu obrazu Maria Kleopas (przyrodnia siostra Maryi Panny), płacząca kobieta w białym nakryciu głowy.
Cała scena osadzona jest w niewielkiej, nienaturalnej przestrzeni (rodzaj płytkiego złotego pudełka, przypominającego ołtarzową kapliczkę). W tej przestrzeni Van der Weyden zamyka "maksymalną ilość" pobożności, ludzkich emocji i cierpienia. Jego geniusz polega na umiejętności układania choreografii sceny z subtelną równowagą form, ruchów, draperii i koloru. Należy zwrócić uwagę na symetrię Chrystusa i Maryi Dziewicy, a także, jak postawa Marii Magdaleny przypomina postawę św. Jana (co wygląda jak para nawiasów). Van der Weyden stworzył masę nakładających się krzywych, przekątnych i "prądów" ruchu. Ważną rolę odgrywa również tekstura (należy zwrócić uwagę na zestawienie takich tkanin i materiałów jak sobol, jedwab, haft złotą nicią, len i skóra).
Weyden szkolił się w warsztacie Roberta Campina (mistrza Flemalle) (1375-1444), a styl modelowania, rzeźbionych postaci, jaki stosował Campin, jest wyraźnie widoczny w tym obrazie religijnym, podobnie jak jego naturalizm i drobiazgowe oddanie szczegółów (na przykład, łza na policzku Marii Kleofas, zarost na szczęce Nikodema, skalnice obok czaszki na ziemi). Historycy sztuki interpretują "Zdjęcie z krzyża" Weydena jako świadomą próbę stworzenia przez artystę czegoś w rodzaju rzeźbionego ołtarza, ale wykonanego przy użyciu prawdziwych ludzi.
Zwrócić należy uwagę także na to, jak koncentruje naszą uwagę na martwym Chrystusie. Pomimo intensywnej, zatłoczonej sceny, ciało Chrystusa jest udrapowane prawie na całej długości, a nikt inny nie "wdziera się" w nie. Nagość, blask i efemeryczny charakter jego ledwo skazitelnej formy dominuje w obrazie i kontrastuje dzięki grubo odzianymi postaciami wokół niego.
Oprócz "ruchliwego", intensywnego charakteru kompozycji, z kontrastującym pokazem przekątnych, krzywizn i ruchu, równie skoncentrowana jest narracja malarska. Można go postrzegać jako syntezę niemal wszystkich etapów zstąpienia z krzyża i po nim tj. zrzucenia ciała, złożenia, lamentacji i złożenie do grobu. Ta konceptualna "koncentracja" pokrywa się z wersją fizyczną. Należy zwrócić uwagę na przykład, jak dzieło jest umieszczone we wnęce niewiele głębszej niż szerokość ramion Marii Magdaleny, a środkowy obszar płaszczyzny obrazu ma nie mniej niż pięć poziomów głębokości; najpierw Dziewica Maryja, za nią Jezus; za nim Józef z Arymatei, za nim krzyż i drabina, a na końcu młodzieniec.
Symbolizm jest wszędzie. Golgotę, Miejsce Czaszek, gdzie ukrzyżowano Jezusa, wskazują kości czaszki i ramion na podłodze. (Czaszka jest przypuszczalnie czaszką Adama, co ustanawia związek między grzechem pierworodnym człowieka a zbawieniem przez ofiarę Chrystusa na krzyżu). Po prawej stronie sukienka Marii Magdaleny z dekoltem ukazuje ją jako grzesznicę, która porzuciła swoje grzeszne drogi i powróciła do Chrystusa w pokucie.
Weyden był jednym z najbardziej wpływowych artystów północnego renesansu swoich czasów. Chociaż większość jego prac dotyczyła sztuki religijnej, wykonał także szereg obrazów świeckich (obecnie zaginionych) oraz kilka subtelnych portretów. Karierę malarską rozpoczął dopiero w wieku 27 lat, kiedy zapisał się do warsztatu Tournai Roberta Campina. Od Campina Rogier wchłonął głębokie zrozumienie malarstwa olejnego, a także żmudny, szczegółowy realizm, który charakteryzuje jego najwcześniejsze obrazy. Kolejnym ważnym wpływem był Jan van Eyck, wielki mistrz Brugii.
Po "Zdjęciu z krzyża" Van Der Weyden ukończył szereg dzieł biblijnych, w tym tryptyk "Zwiastowanie" (ok. 1435-1440, Luwr, Paryż), Ołtarz Miraflores (ok. 1440, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin), Tryptyk "Ukrzyżowanie" (ok. 1445, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń), Ołtarz Middelburg (ok. 1445-1448, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin), Ołtarz Siedmiu Sakramentów (ok. 1445-1450, Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii), Ołtarz Beaune (ok. 1450, Musee Hotel-Dieu, Beaune), "Maria z Dzieciątkiem i świętymi" (ok.1450, Stadelsches Kunstinstitut, Frankfurt), "Lamentacja przed grobem" (ok. 1450, Uffizi, Florencja), tryptyk "Braque" (ok. 1450, Luwr, Paryż), Ołtarz św. Kolumby (ok. 1455, Alte Pinakothek, Monachium), oraz Ołtarz św. Jana (ok. 1455-1460, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin).
Jego twórczość niereligijną, głównie portretową, obejmuje m.in.: Portret kobiety w skrzydlatym turbanie (ok. 1435, Gemaldegalerie, SMPK, Berlin), Portret Rycerza Złotego Runa (Anton Burgundii) (1460, Musees Royaux des Beaux-Arts, Bruksela) i inne.
Czytaj nasz blog tutaj.